Avis aux Fujistes ! Peak Design et Fujifilm viennent de collaborer sur une édition limitée pour accompagner votre appareil photo de la série X ou GFX. Il s'agit de la courroie Slide Lite et de la dragonne Cuff, deux accessoires qui s'avèreront indispensables une fois que vous les aurez essayés.© 2020 Phototrend.fr - Peak Design X Fujifilm : édition limitée pour les Fujistes

Venus Optics adapte six de ses optiques Laowa existantes à destination des boîtiers hybrides plein format en monture L.© 2020 Phototrend.fr - Venus Optics : 6 optiques Laowa sont désormais disponibles en monture L

Le Prix HiP du livre francophone est de retour ! Le concours créé l'an dernier distingue des auteurs francophones d'ouvrages photographiques édités et autoédités. Deuxième édition pour le Prix HiP du livre francophone ! Le concours initié, l'an dernier, par HiP - Histoires Photographiques, une association loi 1901 et le Salon de la Photo vise à « refléter le marché du livre de photographie francophone dans toute sa diversité ». Cette année, douze catégories sont proposées : Nature et Environnement, (...) - Image / Prix HiP, concours , concours photo

Le jury du Concours photo Montier 2020 s'est réuni les 3 et 4 juillet derniers afin de sélectionner parmi les 3 524 clichés et 26 vidéos et établir le palmarès final, en vue de l'exposition qui sera visible du 19 au 22 novembre, lors de la 24ème édition ! L’article Concours Photo Montier 2020, le palmarès est apparu en premier sur Revue Photo.

Le photographe new-yorkais donne sa vision de l'après Covid-19.

Si les photographes nourrissent parfois de grandes attentes à propos d’une séance photo, les modèles ont eux aussi des souhaits. Les connaître vous démarquera des autres photographes, et vous permettra également d’obtenir de meilleures photos. Vous vous inscrirez donc dans une position de gagnant-gagnant avec votre modèle. Je suis Nathalie Rey, mannequin professionnel et auteur du blog Secrets de mannequin. J’aide les mannequins et modèles à débuter, réussir, s’épanouir et bien gérer leur carrière afin d’avoir une expérience positive du mannequinat. Avant d’écrire cet article j’ai pris le temps d’interroger mes collègues et sans surprise, les mannequins/modèles ont des attentes très similaires que ce soit avant, pendant ou après la séance.  Avant la séance “Photographier c’est mettre sur la même ligne de mire la tête, l’oeil et le coeur.” Henri Cartier-Bresson La prise de contact Lorsque vous contactez un modèle sur une plateforme telle que book.fr ou postez une annonce sur un site, soyez le plus précis possible. Cela augmentera votre taux de réponse. Précisez le lieu, la date, le thème de la séance, précisez aussi, si le modèle habite loin, si vous prenez en charge les frais de déplacement (ce qui est généralement le cas). Certains modèles exigent une rémunération, et ce même s’ils ne sont pas des professionnels, mais d’autresseront d’accord pour avoir de belles photos sans forcément demander une rémunération. Tout dépend de votre expérience et du modèle. Le mood board / panneau d’inspiration Utilisé par les professionnels qui souhaitent réaliser une prise de vue, le mood board permet de structurer les idées et à l’équipe de comprendre en un instant l’esprit de la séance. Bien que facultatif pour les amateurs, envoyer votre mood board vous donnera un côté plus professionnel et permettra à votre modèle de savoir à quoi s’attendre précisément au niveau du style de photo, du maquillage et de la coiffure. Ce qui peut se révéler intéressant pour la suite et vous permettre de gagner du temps. Les conditions Pour qu’une collaboration se passe bien pour les deux parties, la bienveillance est de mise. Il est important de bâtir une relation de confiance avec le modèle dès le début, aussi, proposez à votre modèl(e) de venir accompagné(e) s’il/elle le souhaite. Cette simple proposition rassurera votre modèle et mettra l’amorce d’une séance basée sur la bienveillance et le professionnalisme. Il est également important de définir ensemble clairement comment va se dérouler la séance. Le stylisme Si vous avez déjà une ou plusieurs tenue(s) prédéfinie(s) envoyez une photo à votre modèle afin qu’il/elle sache à quoi s’attendre et soit déjà dans l’ambiance de ce que vous voulez avant de commencer. Si votre modèle doit venir avec ses propres vêtements, vous pouvez demander à ce qu’il/elle vous envoie une photo de la/les tenue(s) qu’il/elle envisage de porter. Je vous conseille dans la mesure du possible de prévoir plusieurs tenues ainsi vous aurez plus de choix. Il se peut en effet qu’on soit parfois déçu du rendu final de certaines tenues. Le maquillage et la coiffure Un maquillage beau à l’oeil nu peut vite paraître très “fade” en photo en fonction de votre lumière, surtout si vous utilisez le flash. Si vous habitez dans une grande ville, je vous recommande de contacter des élèves en école de maquillage/coiffure afin de leur proposer une collaboration gratuite. Cela vous permettra d’augmenter le rendu de vos photos et les élèves seront eux aussi très contents d’avoir de belles photos pour alimenter leur book. Afin que la collaboration se passe bien, permettez leur aussi de faire quelques photos dans un maquillage plus soutenu et original. La règle d’or est de toujours commencer par un maquillage léger et naturel pour ensuite intensifier au fur et à mesure. C’est ce qui vous fera perdre le moins de temps sur votre prise de vue. Le jour de la séance “La photographie devient de l’art quand elle dévoile l’âme et révèle l’authenticité du sujet”. Monique Moreau S’il s’agit d’une de vos premières séances photo avec un modèle, vous serez peut-être un peu stressé et aurez une tendance naturelle à être très concentré sur la technique. Celle-ci est importante certes, mais il est essentiel de ne pas oublier votre modèle. 🙂 Il n’est jamais évident pour un modèle (surtout s’il est peu expérimenté) de prendre la pose devenant une personne inconnue. Votre rôle sera donc de mettre votre modèle/mannequin à l’aise dès le début. Les petites attentions qui font toute la différence Proposez quelque chose à boire, à manger. Cette petite attention est toujours la bienvenue qu’on soit modèle amateur ou professionnel. Prenez le temps de parler un peu avec votre modèle avant le début de la séance, plus votre modèle sera détendu meilleur sera le rendu final. Assurez-vous également que votre modèle ait un lieu pour se changer à l’abri des regards. S’il fait froid, et que votre modèle est peu couvert, prévoyez une couverture, du thé/café, un petit chauffage, pour qu’il n’ait pas froid pendant que vous ferez vos réglages. Si votre modèle a froid, cela se verra sur vos photos et il sera fatigué beaucoup plus vite. Son regard risque de ne plus avoir aucune expression à cause du froid, soyez donc vraiment très vigilant avec cela. Soyez précis Je me permets d’insister, en effet, rares sont les photographes qui donnent des indications suffisamment claires pour bien orienter les modèles dans les poses. Soyez donc très précis concernant vos attentes, notamment de part le type de poses et les attitudes que vous recherchez (forte/mode, angélique, souriante…). N’hésitez pas à montrer quelques photos qui vous inspirent ou des poses que vous aimez. C’est l’occasion de ressortir votre mood board si vous en avez préparé un. Vous pouvez même imiter vous-même les attitudes que vous souhaitez, cela peut être aussi l’occasion de rire un peu ensemble et d’être plus détendu. Tout ceci vous permettra d’obtenir plus facilement le rendu que vous recherchez. Encouragez et partagez Votre rôle en plus de la technique photo sera également d’encourager et de partager. Si vous faites cela, vous pouvez être sûr que votre modèle donnera le meilleur de lui-même. Si vous aimez une pose, n’hésitez pas à le dire à votre modèle, cela sera très encourageant et lui donnera confiance surtout s’il/elle est débutant(e). D’autre part, il est selon moi essentiel pour un modèle de pouvoir apercevoir le rendu des photos en miniature sur l’appareil durant la séance. Tous les photographes ne le font pas. Or, pouvoir voir le rendu même en miniature aidera beaucoup votre modèle dans sa manière de poser. De plus, cela lui permettra de rectifier si besoin son maquillage, sa coiffure ou encore le tomber du vêtement… Vous avez donc tout à y gagner! Après la séance “La modeste et douce bienveillance est une vertu qui donne plus d’amis que la richesse et plus de crédit que le pouvoir.” La comtesse de Ségur Le contrat Je vous conseille de faire signer un contrat à votre modèle, cela n’est bien entendu pas obligatoire, mais a le mérite de bien clarifier les choses afin que tout se passe pour le mieux. Voici un exemple de contrat qu’un de mes amis photographe utilise et qui fonctionne très bien. Vous pouvez l’utiliser sans problème. http://medias.tourism-system.fr/c/a/233082_programme_complet.pdf L’envoi des photos Pour ce qui est des photos, les mannequins/modèleset le maquilleur/coiffeur attendent bien entendu que vous leur les envoyez dès que possible. Or, certains photographes n’envoient jamais les photos. Ne soyez pas ainsi, il en va de votre réputation. Certes, c’est votre oeuvre, mais n’oubliez jamais que cette photo est avant tout le fruit d’un travail d’équipe. En effet, les différents intervenants ont donné de leur temps pour que vous puissiez prendre cette photo. Il est donc naturel et respectueux d’envoyer les photos à toute l’équipe qui a rendu le shooting possible. Le choix des photos Chaque personne à un “oeil” différent, une photo qui va vous plaire, ne correspondra pas forcément aux besoins/à l’oeil de votre modèle ou du maquilleur/coiffeur. Il est donc important et aimable de laisser votre équipe en plus des photos issues de votre sélection, de choisir chacun quelques photos (au moins 1). C’est une attention qui fait toute la différence. Enfin, le monde est tout petit et les modèles/maquilleurs/coiffeurs parlent entre eux, alors autant faire en sorte qu’ils parlent en bien de vous! 🙂 Pour conclure, plus vous chouchouterez votre modèle et serez bienveillant, meilleures seront vos photos. Vous vous distinguerez ainsi des autres photographes concentrés uniquement sur leur technique. Voici les mots d’une collègue mannequin sur ce qu’elle attend d’un photographe :  "J’attends que le/la photographe m’aide à révéler et montrer mes différentes facettes. Qu’il /elle soit à l’écoute, m’encourage et m’aide à dépasser mon manque de confiance en moi. Tout cela afin d’arriver à me surprendre moi-même tout en faisant en sorte que cela me corresponde tout de même”. Vous avez à présent toutes les clés pour faire de votre prochaine séance photo un beau moment autant pour votre modèle que pour vous. Il ne me reste plus qu’à vous souhaiter de magnifiques photos. L’article Ce que les modèles attendent des photographes est apparu en premier sur Apprendre la photo, le blog photo.

Chaque semaine, découvrez les liens que nous partageons avec vous dans les Sunday Links.© 2020 Phototrend.fr - Sunday Links

Martin Parr nous emmène dans son "Parrathon", des années 1970 à aujourd'hui. Première grande retrospective en France depuis 15 ans, l'exposition dévoile 14 séries majeures du photographe britannique. De quoi mettre en lumière son regard unique sur le consumérisme et nos modes de vies. C'est en ce moment à la Frac Bretagne jusqu'au 24 janvier 2021 .© 2020 Phototrend.fr - Parrathon : La rétrospective de Martin Parr à la Frac Bretagne jusqu’au 24 janvier 2021

Comment transformer une photo en Lego ? Dans une récente vidéo, le Youtuber Geoffrey Humbert – de la chaîne Apprendre le graphisme – nous explique les différentes étapes pour créer une superbe mosaïque en Lego à partir de n’importe quelle photo. Comment transformer une photo en Lego avec Photoshop ? Si vous aimez la photo © 2020 Phototrend.fr - Tutoriel : comment transformer une photo en Lego

Promo photo. Tamron lance son offre d'été transtandard f/2,8, valable jusqu'au 15 août 2020. À la clé, jusqu'à 100 € de remises sur deux objectifs pour boîtiers plein format : le Tamron SP 24-70 mm f/2,8 Di VC USD G2 (monture Canon EF et Nikon Z) et le Tamron 28-75 f/2,8 Di III RXD (monture Sony FE).© 2020 Phototrend.fr - Promo photo : jusqu’à 100 € de remises sur deux zooms transtandard f/2,8 Tamron

AOC dévoile son nouveau modèle à bords fins 4K UHD de 31,5" U32UA qui s'adresse avant tout aux professionnels de l'image et aux amoureux du design, puisqu'il a été conçu en collaboration avec l'agence Studio F.A Porsche et arbore un look moderne et stylé.© 2020 Phototrend.fr - AOC U32U1 : moniteur 31,5″ 4K UHD professionnel stylisé par le Studio F.A. Porsche

Face depixelizer est une technologie qui utilise l'intelligence artificielle Pulse pour transformer des images pixelisées en véritables photos.© 2020 Phototrend.fr - Face Depixelizer : transformer des images pixelisées en véritables photos grâce à l’intelligence artificielle

Aujourd’hui, je vous emmène à Sulawesi pour vous raconter une histoire où le slowtravel et le tourisme chez l’habitant prennent tout leur sens. Je vais vous expliquer comment ma fille et moi nous sommes retrouvées sur une île déserte paradisiaque, à manger du homard au petit déjeuner avec quelques pêcheurs locaux et le maire du village voisin, un ami d’ami d’amie d’amie. Une histoire typiquement indonésienne, en somme, où la confiance, les rencontres et les imprévus rythment [...] NOUVEAU : Comment ma fille et moi nous sommes retrouvées sur une île déserte au nord de Sulawesi sur Madame Oreille, blog voyage et conseils photos.

Loin d’être exhaustif, ce tour d’horizon veille à faire connaitre et à rappeler le parcours de quelques-uns des talentueux photographes afro-américains. Redécouvrez leurs œuvres majeures du début du XXe siècle à aujourd’hui et un autre regard sur l’American dream.© 2020 Phototrend.fr - Archives : le regard de photographes afro-américains sur la société du XXe siècle

Capture One, le logiciel de traitement photo made in Copenhagen, vient de lancer deux nouveaux packs de styles photo pour donner un effet créatif à vos photos. Ces filtres, qui font partie de la collection « Beyond » sont regroupés dans deux packs Beyond Film et Beyond B&W et tirent leur inspiration des pellicules argentiques les plus © 2020 Phototrend.fr - Capture One : Beyond Styles, pour des rendus argentiques et noir et blanc

Il est d'ores et déjà possible de s'inscrire à la 14e édition des Sony World Photography Awards. Le concours propose une nouvelle fois quatre catégories : Professional, Open, Youth et Student. Depuis 14 ans, les Sony World Photography Awards récompensent des photographes professionnels, amateurs, ainsi que les étudiants et des artistes en herbe avec quatre concours : Youth (jeune,12-19 ans), Student, Open et Professional (professionnel). Cette année, ils sont ouverts jusqu'aux 30 novembre (...) - Image / Sony World Photography award, sony world photography awards, Sony, concours photo, concours

Les sorties effectuées dans les serres abandonnées m’ont donné envie de créer un mélange entre photos et verre. L’étape de la création autour de mes photos était franchie ! J’y rajoute un travail de l’acier, cette matière que j’avais envie de manier depuis un moment, et qui se marie très bien avec le verre. L’article De verre et d’acier est apparu en premier sur Revue Photo.

“Silent Spring”, dernier chapitre de “Home Works”, a été réalisé pendant le confinement.

Adobe livre une mise à jour estivale de Photoshop pour iPad. Au menu, l'arrivée de l'outil Amélioration des contours, très attendu par les photographes.© 2020 Phototrend.fr - Photoshop pour iPad : nouvel outil d’amélioration des contours et rotation de l’espace de travail

Avec l’annonce du Sony A7S III, Sony lance aussi les premières cartes mémoires CFexpress Type A. Un format physiquement compatible avec le port des cartes SD. Attendu, l’hybride plein format Sony A7S III s’est dévoilé hier. Parmi les performances annoncés, la possibilité de filmer en 1N bits 4:2:2 en interne sur carte mémoire. Les débits Cet article Sony dégaine les premières cartes mémoires CFexpress Type A est apparu en premier sur Lense.

Jusqu'au 6 août 2020, Adobe vous propose 16 % de réduction sur la suite Creative Cloud pour la Photo. Ainsi, l'abonnement passe à 9,98 € par mois – au lieu de 11,99 € par mois habituellement.© 2020 Phototrend.fr - Bon plan : Adobe Creative Cloud pour la Photo avec Lightroom à 9,98€ au lieu de 11,99€ jusqu’au 6 août

Rogue Photographic Design met à jour son écosystème de modificateur de lumière pour flash cobra : le FlashBender. Au programme de cette v3 : un nouveau système d'attache universel et une malléabilité accrue pour modeler la lumière à votre guise !© 2020 Phototrend.fr - Rogue FlashBender 3 : nouvelle version des modificateurs de lumière pour flash cobra

Un sujet photographié dans un arrière-plan au bon moment peut créer une situation cocasse. Anthimos Ntagkas est un photographe qui donne un sens à ces clichés de rue humoristiques par sa vivacité et son attention aux petites choses de tous les jours.© 2020 Phototrend.fr - Anthimos Ntagkas : photographe de rue abonné aux coïncidences visuelles

Le duo d'artistes donne sa vision de l’après Covid-19.

Pour publier ses photos au bon format sur le web, il faut savoir de quoi il s’agit. Ce cinquième article... Cliquez ici pour lire la suite de l'article Comment publier ses photos au bon format, le guide ultime – 5 et ici pour lire des articles similaires : Nikon Passion.

La vente de la division Imagerie d'Olympus a eu l'effet d'un coup de tonnerre. Masamichi Hoshi revient sur son impact sur le marché de la photographie.© 2020 Phototrend.fr - Vente de la division Imagerie d’Olympus : quelles perspectives pour le marché de la photographie ?

Cinq ans après son lancement, le Sony A7S II (Alpha 7S II) tient son successeur : l’A7S III (Alpha S7 III). Avec ce dernier Sony ne révolutionne pas son concept, il l’améliore considérablement. Pourquoi changer une recette qui fonctionne ? Partant de ce constat, Sony s’appuie sur les bases de l’A7S II pour proposer un Cet article Sony A7S III : 4K maestro est apparu en premier sur Lense.

Cinq ans après l'annonce de l'A7S II, l'A7S III apporte des évolutions importantes, en interne et au niveau de l'ergonomie et se pare d'un viseur exceptionnel, sur le papier. Il conserve toutefois la définition de ses aînés, mais avec un capteur BSI, et se montre prudent au niveau de la définition, par rapport à la concurrence. Présentation Le voici enfin, le successeur de l'A7S II. Sorti en septembre 2015, l'A7S II a connu une longévité inhabituelle chez Sony, en tant sur porte-étendard des A7S. (...) - Matériel / sony, Sony A7S III, vidéo, Hybride, plein format

Panasonic annonce la disponibilité de la mise à jour permettant au Lumix S1H de filmer en ProRes RAW sur un enregistreur Atomos Ninja V. Promise pour le printemps 2020, mais décalée en raison de la pandémie mondiale, la mise à jour apportant au Lumix S1H la possibilité d’enregistrer des vidéos en Apple ProRes RAW sur Cet article Lumix S1H : la sortie vidéo en ProRes RAW est là est apparu en premier sur Lense.

Annoncée au printemps dernier, la mise à jour de firmware permettant de filmer en Raw sur 12 bits via l'Atomos Ninja V est disponible au téléchargement. Quelques heures avant l'annonce de l'A7S III… Initialement, la mise à jour de firmware dédiée au Lumix S1H, ouvrant la voie au tournage en Raw sur 12 bits, via un enregistreur externe, devait être mise à disposition le 25 mai dernier, comme nous vous l'annoncions ici. Elle n'est finalement accessible qu'à partir d'aujourd'hui, sur le site de Panasonic. (...) - Matériel / Panasonic, Lumix S1H

Le “street photographer” américain donne sa vision de l’après Covid-19.

Désormais un rendez-vous régulier, la photo de la semaine met en avant les réalisations de la communauté de Lense.fr : les Lensers. Les nouvelles images publiées ayant recueilli le plus de votes de la part des membres sont sélectionnées. Les rédactions de Lense et de Fisheye élisent alors la Photo de la semaine. Voici celles Cet article 2020 : toutes les photos de la semaine est apparu en premier sur Lense.

Venus Optics annonce la déclinaison de six objectifs Laowa en monture L. Les formules optiques ne changent pas, mais la bague leur permet d’être directement montés sur les appareils de l’alliance L-Mount. Les objectifs sont le nerfs de la guerre, outre les modèles natifs, et les alliances comme la L-Mount Allience (Leica – Panasonic – Cet article Laowa adapte 6 de ses optiques en monture L est apparu en premier sur Lense.

La jardinerie les Compagnons de la Nature invite la photographe Laura Galinier à exposer sa série "Entre ses mains" dans sa serre principale. L’article Entre ses mains est apparu en premier sur Revue Photo.

L’ancienne élève du Bronx Documentary Center donne sa vision de l'après Covid-19.

Aujourd'hui, nous allons parler de Todd Hido, un photographe dont la reconnaissance ne cesse de grimper, et un des nouveaux maîtres de la photographie couleur.  [accordions] [accordion title="Cliquez ici pour afficher/masquer la transcription complète" headingtype="p"] « Une autre chose primordiale qui transmet du sentiment via les photographies est la couleur. Le bleu sera presque toujours perçu comme froid, surtout dans le paysage. Le vert représente la croissance ou la maladie, selon la teinte. Les couleurs apportent leurs propres signification et ambiance à une image. » Todd Hido Si vous êtes un photographe qui accorde de l’importance à la couleur dans votre travail, alors cet épisode risque de particulièrement vous plaire (mention non contractuelle). Aujourd'hui, nous allons parler de Todd Hido, un photographe dont la reconnaissance ne cesse de grimper, et un des nouveaux maîtres de la photographie couleur. Nous allons aussi parler de vélo BMX et d’acrobaties, parce que les deux sont liés (oui oui). Démarrons sans plus attendre cet épisode d’Incroyables Photographes. Présentation Todd Hido est né le 25 août 1968 à Kent dans l’Ohio, dans une famille de la classe moyenne. Son père, qu’il décrit comme peu aimant, dur et absent, était plombier et sa mère caissière dans un drugstore (les pharmacies aux USA ont un nom plus équivoque que chez nous). Aucun des deux ne l’intéresse à l’art, et ce n’est pas de son milieu familial que lui est venu cet intérêt. Todd Hido se décrit comme un enfant, et un élève, plutôt moyen, sans volonté. Il faisait ce qu’on attendait de lui jusqu’à ce qu’il se mette… au BMX. Ce qui va le conduire tout droit à la photographie (oui oui, c’est possible). Le BMX est un petit vélo avec lequel on fait des figures, et comme tout ce qui est éphémère il faut bien le figer pour prouver que ça a existé. Avec son frère, ses amis, un appareil jetable et un flash, il fige ses performances, ses exploits à vélo. Et ils sont légion, le vélo étant la première discipline où il excelle vraiment : il sera 4 fois champion de son État. D’ailleurs, en plus d’avoir fait entrer la photographie dans sa vie, le vélo a eu un autre impact : il lui a montré les conséquences de la suffisance et l’arrogance sur la qualité d’un travail. Il dit avoir vu des champions devenir nuls l’année suivante à la même compétition, car ils avaient pris la grosse tête. Il se jure que ça ne lui arrivera jamais, et gardera ça jusqu’à maintenant : il travaille beaucoup, creuse toujours plus loin, travaille autant maintenant que quand il avait 20 ans et était étudiant. Ce constat l’a beaucoup fait progresser. À la fin de cette période, notre photographe en herbe, mais déjà champion, est un gamin à problèmes. Il s’attire des ennuis tout le temps, aussi bien à l’école qu’en dehors. Et c’est vers la fin du lycée que la photographie va définitivement le happer, presque contre son gré. En effet, il s’est inscrit au cours de photographie parce que c’était le dernier de la journée (oui, c’est la vraie raison). Ainsi, il pouvait signer la feuille d’émargement, rentrer dans la chambre noire et en sortir discrètement par une porte dérobée. Cela lui permettait de quitter le lycée plus tôt que ses petits camarades. Enfin, ça, c’était l’idée de base. En réalité, il s’est rendu compte qu’il aimait ce qu’il faisait, qu’il aimait tirer des photographies, et le travail de laboratoire. Son professeur, Mike McClure remarque qu’il est différent, qu’il a du talent et le pousse à continuer, à creuser cette voie. Ce qu’il fera lors de ses études. Parlons-en un peu de ses études ! Son propre père n’y croyait pas. Quand il a franchi le pas de la porte pour y aller, il a dit à sa mère « il reviendra », déjà assuré de l’échec de son propre fils. Mais encore une fois, ça ne s’est pas passé comme ça, pas du tout. L’école où il va en premier n’est pas orientée sur l’art, mais sur la photographie commerciale et la publicité. Il y étudie deux ans et apprend la technique, ce qui a le mérite de le rendre très à l’aise avec ça. Il découvre la photographie d’art un peu plus tard, lors d’un atelier à Denver (Colorado) avec Roy DeCarava, dont il apprécie l’ambiance noire et triste des images. Roy, à chaque fois qu’on lui montrait des images issues des séances de tirage, demandait toujours à ce qu’elles soient plus sombres. C’est là que le déclic se fait dans la tête d’Hido : une photographie ne doit pas forcément avoir toutes les nuances possibles du noir au blanc pur, et des gris bien placés. On peut faire autrement, il n’y a pas besoin de représenter la réalité comme elle est. Il s’agira désormais de davantage montrer ce qu’il ressentait à ce moment-là, et d’en transmettre l’essence. C’est une révélation pour lui, qui aura un impact sur sa façon de produire des images jusqu’à aujourd’hui. Il devient un temps l’assistant du photographe John Goodman. [caption id="attachment_14779" align="aligncenter" width="685"] All rights reserved. © John Goodman[/caption] C’est là qu’il apprend à terminer les choses (là où l’école d’art lui a plus appris à les commencer) et à quel point il est possible de travailler et produire en une journée. Celui qui a longtemps été un élève moyen devient un bosseur acharné. Par la suite, il va au MFA California College of the Arts and Crafts et rencontre celui qui sera son mentor : Larry Sultan. Il le décrit comme la personne la plus intelligible, pertinente et poétique qu’il ait rencontrée. Il dit même se souvenir des années après sa disparition de conversations qu’ils ont eues, et de réflexions qu’il lui a faites. Ils deviennent vite amis, et Todd Hido finira par enseigner lui aussi dans cette université. Ils ont même été exposés ensemble (ce qu’Hido vit comme un honneur). Ils s’influencent mutuellement, sans craindre de se copier. Sultan est le premier à voir ses photographies des maisons de la banlieue américaine et à penser que ce travail vaut le coup d’être creusé. C’est lui qui éclaire Hido sur la signification de ce travail : il ne parle pas dedans d’architecture ou de paysage urbain ; le vrai sujet, c’est la famille et l’intimité. Hido approuve, et va s’investir complètement dans ce travail pendant deux ans, pour produire des images fidèles à ce qu’il est. C’est aussi à ce moment que son style se définit, assez éloigné des tendances de son époque. « Quand j'ai commencé ma carrière, c'était vraiment l'ère de la théorie et du post-modernisme. L'émotion subjective et la beauté n'étaient pas sur le radar. J’ai été encouragé à photographier à une distance uniforme, à utiliser une palette de couleurs plus neutre, à travailler de manière plus conceptuelle et à adopter une position plus objective – essentiellement pour travailler comme j'aurais travaillé avec les Bechers à Düsseldorf. » L’Amérique, comme la photographie de Todd Hido, est déserte. C’est celle des routes, des champs et d’une brume qui englobe tout. Il ne craint pas de s’intéresser à la banalité, et reconnait d’ailleurs avec plaisir l'influence des grands maîtres, citant Robert Frank comme Stephen Shore. Focus sur deux projets Maintenant que nous avons vu comme sa mécanique créative s’est construite, mise en place et activée, plongeons-nous dans le résultat. Ses images présentent une certaine atmosphère, sourde, lourde, un peu secrète et qui pourrait être celle d’un film de David Lynch. Aussi, tous les lieux présentés laissent beaucoup de place à l’imagination : ils sont comme le début d’une histoire dont le spectateur peut décider seul de l’intrigue. Si les débuts en photographie d’Hido (via le BMX) peuvent être surprenants, sa méthode l’est aussi. Pour produire ces images, Hido… conduit. « Je conduis. Je conduis beaucoup. Les gens me demandent comment je trouve mes photos. Je leur dis que je conduis. Je conduis et conduis et je ne trouve en général rien qui m'intéresse. Mais alors, quelque chose appelle. Quelque chose qui a l'air un peu décalé ou peut-être un espace vide. Parfois, c'est une scène triste. J'aime ce genre de choses. Je prends donc les photos et certaines sont bonnes. Et donc je continue de conduire, de regarder et de prendre des photos. » C’est comme cela qu’il a produit son projet House Hunting, qui illustre parfaitement l’idée de l’errance en photographie. Pour ce projet, il a sillonné les États-Unis en voiture, pour en saisir tout le mystère, en photographiant des maisons la nuit. Cette chasse a produit des images mystérieuses, embrumées, où la présence de l’homme est implicite. Vous n’y verrez pas de jeux d’ombres chinoises, mais seulement des lumières, émises par de l’éclairage intérieur ou des télévisions, des lueurs qui laissent deviner qu’il se passe quelque chose dans ces maisons, qui n’en livrent pas le récit. C’est encore une fois typique du travail d’Hido et du portrait des USA qu’il dresse depuis plusieurs décennies. Il ne cherche pas à montrer des success-stories, ou un pays éclatant de couleurs et de réussites. Il cherche l’austère, le vide, le lointain. C’est une démarche particulièrement visible dans son projet Bright Black World. Ici, il sort des banlieues américaines pour explorer des paysages désolés du nord de l’Europe. Il y photographie les chemins qu’il parcourt en voitures, ces routes qui se croisent, des impasses lugubres et des autoroutes sans fin, avec des photographies entre étrange et sublime, ombres et lumières. Des paysages instables, tourmentés, mais en même temps très réalistes. « Il ne fait aucun doute que ce travail porte sur le caractère physique du changement climatique qui se produit actuellement. Bien que beaucoup de gens soient dans le déni total de cette mutation, elle se produit bien plus rapidement que prévu. » Todd Hido. La gestion de la couleur Il ne vous aura pas échappé que les couleurs des photographies d’Hido sont très particulières. Comme nous l’avons vu, il ne cherche pas à reproduire la réalité, mais le sentiment qu’il a eu en visitant ces lieux, ou en voyant les personnes qu’il photographie. « On ne m'a jamais vraiment expliqué comment imprimer en couleur, alors j'ai ajusté les couleurs de mes photographies pour qu'elles soient comme ce à quoi je pensais qu'elles devaient ressembler. La façon dont j'utilise la couleur est très subjective. » Pour illustrer sa façon de travailler, Hido dit très souvent qu’il photographie comme un documentariste, mais qu’il développe comme un peintre, ce qu’il doit notamment à Goodman, Sultant, mais aussi Roy DeCarava : « Lorsque j'ai commencé à expérimenter le tirage couleur, j'ai pensé à ce que ce serait si Roy DeCarava se tenait à l'extérieur de la chambre noire pour me donner des conseils. Il pourrait dire: “Fais disparaître complètement la couleur” ou “Rends la couleur super bleue”. » Ansel Adams, un célèbre photographe de paysage américain, connu pour avoir créé ses propres techniques de tirage (le zone system) avait dit un jour « On ne prend pas une photographie, on la fait » (dans le sens de « fabriquer » « make » en anglais). Lui-même passait un temps phénoménal à travailler ses tirages pour obtenir les rendus qu’il souhaitait, et Hido s’inscrit complètement dans cette dynamique, en travaillant pour obtenir ce qu’il veut. « J'aime les couleurs plus sourdes et plus douces qu'en réalité. Je ne suis pas marié à la réalité ; je ne pense pas que je doive décrire fidèlement un endroit. J'ajoute mon propre contenu émotionnel dans les choix que je fais dans le processus d'impression. La couleur crée absolument une ambiance. Il n'y a aucun doute là-dessus. » Les leçons qu’on peut en tirer Les leçons à tirer du travail de Todd Hido sont nombreuses (il en a d’ailleurs fait un livre chez Aperture, que vous pourrez retrouver ici), et aujourd’hui, je vais vous inviter à en retenir 3 et à les appliquer à vos travaux photo : • Ne cherchez pas à coller à la réalité. Todd Hido défend avant tout une vision personnelle et sentimentale de ce qu’il voit, il ne cherche pas à reproduire le monde « tel qu’il était ». Je ne vais pas rentrer dans les détails ici, mais ni votre appareil, ni vous ne voyez vraiment la réalité « telle qu’elle est », c’est donc une perte de temps que de courir après. Si ce sujet vous intéresse, Thomas a écrit deux articles sur le sujet qui vous feront faire le tour de la question, et que je vous mets en description. • Fichez-vous de l’avis des autres. Todd Hido dit lui-même qu’avoir ce détachement vis-à-vis de l’avis d’autrui l’a beaucoup aidé, qu’il faut faire de l’art pour soi avant tout. Bien évidemment, ce n’est pas facile, quand on commence on veut tous se comparer aux autres, faire un livre parce qu’untel en a fait un, être dans une galerie, cette galerie-là parce qu’elle est prestigieuse. Mais se libérer de cette pression est salvateur. Faites confiance à votre instinct, faites ce que vous aimez et allez-y à fond. Si ça a pu aider Hido, ça vous aidera sans doute. • Enfin, prenez des décisions. Comme le raconte Hido : « Larry Sultan disait que l'acte de faire de l'art est l'acte de prendre beaucoup, beaucoup, beaucoup de petites décisions. Chaque question que vous rencontrez peut vous conduire sur un chemin particulier. » Au final, votre travail photographique ne consiste qu’à prendre plein de petites décisions à la suite : quel appareil vous allez utiliser, couleur ou noir et blanc, horizontal ou vertical, comment l’imprimer. Chacun de ces choix vous emmènera sur un chemin particulier, de plus en plus unique au fur et à mesure que vous préciserez vos choix. « Si vous savez prendre des décisions et avancer pas à pas, vous aurez plus de succès. La vraie question est : qu'est-ce qui vous convient en ce moment ? Et réaliser que ce qui vous convient change avec le temps. » Conclusion Hido est définitivement le maître de la roue, que ce soit celle de son BMX ou maintenant celle des couleurs. Ses photographies ont été publiées dans de nombreux magazines (comme le New York Times et Vanity Fair) et font partie des collections permanentes du Getty, du Whitney Museum of Art, du Guggenheim Museum de New York, du San Francisco Museum of Modern Art, du Young Museum, du Smithsonian, du Los Angeles County Museum of Art, ainsi que de dans de nombreuses autres collections publiques et privées. Il a aussi publié une douzaine de livres. Pour l’anecdote, en plus d'être un artiste, Hido est également collectionneur et a créé au cours des 25 dernières années une collection de livres photo remarquable. Un photographe à suivre donc, qui a encore une belle carrière devant lui, et sûrement bien des leçons à nous donner. [/accordion] [/accordions] L’article Le sens des couleurs avec Todd Hido – Incroyables Photographes #15 est apparu en premier sur Apprendre la photo, le blog photo.

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